カリキュラム概要
まずはじめに、音楽の三大要素である「リズム」「メロディー」「ハーモニー」について、音楽を形作るために必要な最低限の知識をDAWを使いながら楽しく学んでいきます。DAWのさまざまな機能を使って、自然に理解を深められる内容になっています。
次に、独自のカリキュラムを通して「音の配置」「サウンドデザイン」「ミックス・マスタリング」という「コンピュータ音楽制作の三大要素」の全体像を把握していきます。こちらは、作りたい音楽によって重点を置くべき場所が違ってくるため、好きな音楽の分析・コピーなども並行して行なっていきます。
また、知りすぎてしまうとかえって制作ができないこともあるので、即制作に活かせるようなことを中心に、だんだん広げていくイメージです。
カリキュラムのどこからスタートし、どこで卒業するかは人それぞれですので、個別に話して決めていけたらと思います！
音楽の三大要素
音楽の基本構造を理解するために、「リズム」「メロディー」「ハーモニー」という三大要素を学びます。DTMでは、これらの要素を知っておくことで、よりスムーズに制作を進めることができます。
リズム
リズムは音楽の土台となる要素です。DTMソフトではドラムパターンやループ素材を使って、簡単にリズムを作ることができます。このレッスンでは、リズムの基本的な役割を理解しながら、自分でリズムパターンを作成する方法を学びます。
メロディー
メロディーは音楽の中で最も記憶に残る部分です。MIDI編集を使って、メロディーを作る技術を学びます。音程やスケール（音階）の基本も取り入れながら、楽しくメロディー制作を体験します。
ハーモニー（コード）
ハーモニーは音楽に深みと広がりを与える要素です。コード進行を中心に、DTMソフトで和音を簡単に作成する方法を解説します。コードの世界は入り込みすぎるとかえってモチベーションを失ってしまう危険があるため、ここでは実際の制作に活かせる最低限の内容のみを効率的に習得します。
DTMの三大要素
コンピュータ音楽制作の特有のプロセスである「音の配置」「サウンドデザイン」「ミックス・マスタリング」について最低限必要な知識を制作の実践を通して学びます。
※なお、この分類は完全に自己流なので一般的にDTMの三大要素などと呼ばれるものはありません（笑）
音の配置
音楽制作における編集の要素です。どのタイミングでどの音を配置するかによって、楽曲の流れやインパクトが決まります。ソフトのタイムラインを使いながら、効果的な音の配置方法やアレンジのコツを学びます。前述の「音楽の三大要素」もこの音の配置に分類されるイメージです。
サウンドデザイン
サウンドデザインは、音色選びをはじめ、音そのものの質感や特徴を作り込む作業です。シンセサイザー・サンプラー・エフェクトを活用し、自分のイメージに合った独自の音を作成します。
ミックス・マスタリング
ミックスでは、各音のバランスや空間的な配置を整え、楽曲全体の仕上がりを向上させます。その後のマスタリングでは、最終的な音量や音質を調整し、曲をリリース可能な状態に仕上げます。具体的なソフトウェア操作を交えながら進めていきます。
Emergent Sound Theory
坂本龍一は、「オリジナリティは5%も出せたら十分」と語りました。これは、完全な独創性よりも、過去の音楽や影響を受けたサウンドを吸収しながら、自分なりのエッセンスを加えることが重要であるという考え方です。音楽はまったくのゼロから生まれるのではなく、過去の蓄積の上に構築されるもの。
この視点を元に、本理論を定義しました。これは、憧れの音楽と自分の個性が交差しながら新しい音が生まれるという創作のプロセスを整理するためのフレームワークです。（※あくまで独自の考察に基づくものであり、一般的な理論ではありません）
二つの創作アプローチ
探索・生成型
(Exploration & Generation)
「音をいじって試しながら楽しむ」タイプの創作方法です。日々の生活と密接に結びついており、日記やメモ、音と遊ぶ経験そのものが含まれます。無数の試行回数が行われることで、地に足の着いた思考がなされていきます。
- DAWで適当に音をならしてみる
- ふっと浮かんだメロディーを録音する
- 何も考えずビートを上書きしてみる
- フィールドレコーディング（街の雑踏などを録音）
- アルゴリズムやランダムなツールを使って偶発的な音を発見する
分析・構築型
(Analysis & Construction)
「存在する音楽を分析し、どのように作られているかを理解して構築する」方法です。大好きな音楽が頂点に君臨しており、それを観察することは、まるで天体の星を眺めて軌道を計算する感覚に近いものがあります。
- リファレンスの曲を分析する
- 音楽理論を学ぶ
- ミックスやマスタリングのテクニックを研究する
- あるジャンルの特徴を調べ、再現してみる
- 歴史的な音楽スタイルを分析し、現代に応用する
創発する音楽のプロセス
本理論では、どちらかの方法に偏るのではなく、探索・生成型で自由に作った音を、分析・構築型で整理する。さらにそこから新しいアイデアを生み出す！
この循環を繰り返すことで、憧れの音楽と自分の個性が融合し、次元の異なる独自の音楽に進化していくと考えます。スランプ状態とは、このどちらかに偏ってしまっている状態のこと。難しいことですが、並行作業をしていく必要がありそうです。
ロジェ・カイヨワに学ぶ
探索生成型アプローチ
音楽制作は「遊び」である。ロジェ・カイヨワによる「遊び」の理論を使って、創造的プロセスを捉え直してみましょう。オリジナル曲を作る理論の「探索生成型アプローチ」において有効に活用できます。
（例：スポーツ、将棋）
（例：くじ引き、ルーレット）
（例：ごっこ遊び、演劇）
（例：回転遊具、ダンス）
これら4つの型は相互に混ざり合うこともあり、創造的な活動ではしばしば複合的に現れます。カイヨワは、遊びを「パイディア（自由な遊び）」から「ルドゥス（規則的な遊び）」までの連続体としても捉えています。
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パイディア（Paidia）即興性、混沌、ルールなき衝動。
例：ばか笑い、子どもの空想遊び、踊り狂う。 -
ルドゥス（Ludus）規則、構造、訓練された巧みさ。
例：将棋、スポーツ、パズル。
音楽制作という遊びも同様に、即興的なパイディアから設計的なルドゥスまでの濃淡で捉えられるのです。
プロセスワークと音楽制作
音楽制作をしていると、どうしても曲作りが行き詰まる瞬間ってありますよね。「自分はこういう曲にしたい！」という設計図があるのに、実際に鳴らしている音は「そっちじゃない」と暴走し始めるあのかんじ。
実は先日、ある対話の場でアーノルド・ミンデルのプロセスワークという心理学のアプローチを知る機会がありました。対立や葛藤を「拒絶するもの」ではなく、「まだ生きていない新しい自分（可能性）を見つけるためのきっかけ」と捉える非常に面白い考え方です。
このプロセスワークにおける「コレクティブ・トランスフォーメーション（集合的変容）」や、場を俯瞰する「メタコミュニケーター」といった概念が、僕が音楽制作で音楽と格闘するプロセスと完全にリンクしているかもしれん、と思いました。今回は、そのプロセスワークからの着想をもとに、僕が音楽との葛藤をどう乗り越え、曲を完成へと導いているのかを図にしてみました。
音楽と作曲者の「行きたい方向」はズレる
図の青と黄色の部分を見てください。
- 作曲者（黄色）：「こんな曲を作りたい」という意思（アイデアや設計図）。
- 音楽（青）：実際に鳴っている音が持っている、自然な流れやポテンシャル。
この二つのベクトルはズレて葛藤（対立）を生みます。プロセスワーク的に言えば、ここで自分のエゴ（黄色）だけで音楽をねじ伏せようとしたり、逆に音楽の暴走（青）に完全に明け渡してしまっては、新しいものは生まれません。
葛藤を俯瞰する「メタコミュニケーター」の視点
そこで重要になるのが、図の一番下にある緑色の視点、「メタコミュニケーター」です。（これはプロセスワークでの言葉です）
プロセスワークでは、対立が起きたときに当事者としての本音を持ちつつも、もう一人の自分がその状況を俯瞰し、「双方がどう変わっていけるか」を探る視点を持ちます。
これを音楽制作に当てはめると、「この暴走し始めた音と、僕のスキルが合わさったとき、一体どこに変容（トランスフォーム）していくのが一番美しいのか？」を俯瞰して探る視点になります。音楽を無理やりコントロールするのではなく、音楽の流れをしっかり感じ取り、自分がやりたかったこととの接続点を見つける役割です。
秩序とカオスを行き来する「コレクティブ・トランスフォーメーション」
中央の丸い点はそれぞれアイデア（情報）で、それらがつながったりして音楽が編まれていくイメージです。
中央の「ぐちゃぐちゃの赤い線」が、実際の制作プロセスです（表出している音楽）。最初から一直線に完成に向かうわけではありません。メタコミュニケーターの視点を持ちながら、音楽と対話し、時に複雑なノイズ帯（Complex/Chaos）に迷い込み、時にシンプルな波形（Simple）に立ち返る。
プロセスワークで言うところの作曲者自身と作られる音楽が「一緒に変容していくプロセス（コレクティブ・トランスフォーメーション）」を経ることで、自分単体でも、音単体でも絶対に辿り着けなかった「オリジナル曲（大きな星マーク）」へと昇華されるんじゃないかなと思います。